内容提要】本文围绕“发烧音乐”这一概念的历史源流、文化成因、音乐特征及其与其它艺术门类和科学技术的关系，详细梳理了“发烧音乐”的发展脉络与文化背景、探讨了“发烧音乐”的内涵与外延及其在后现代文化中的位置与前景。 【关键词“发烧音乐”、流行文化、后现代文化、电子音乐、工业文明
引言
“发烧”一词从1988年源自港澳的音响杂志刊物。本意也借喻于港澳电影、歌曲‘爱到发烧’之喻，一说源于英语的“facier”，意为“……迷"，因其发音与粤语里的“发烧”极为相似，故而称之。一说源于“Audiophile”，意即讲究音质者。还有一说认为发烧音乐是从发烧友这个名词得来的。无论从谐音、舶来之音、医学定义，“发烧音乐”这个近乎流窜于乌衣巷的迷离之音、边缘文化，正逐渐形成自己独立的文化源，从时代的背影中浮出，以一种特定的风格形式存在于越来越多的音乐信徒思想意味中。
“发烧音乐”广义范畴是指在不同时期的思维空间中，能对人听感造成兴奋，形成情绪的位点，并通过人脑并释放感情声音的方式；狭义则是符合大众欣赏共鸣的第三潮流音乐并通过高技术听觉手段使大众得到最大情感共鸣的方式。经过十九世纪中叶之后半个多世纪的多方位的探索期与历史变革之后，随着生活的高质量标准的追求，发烧音乐逐步求得了音乐、舞蹈、戏剧、心理、音乐治疗的结合，到二十世纪中期它已成为一种独具魁力的音乐欣赏演出形式。概括地说，它是以简单的有独特性的有吸引力的情绪共鸣为支撑，以音乐的戏剧性演绎为根基，使大众得以充分发挥其情感潜能，并把这些因素融合为有机的同一体的艺术。
正如《格罗夫词典》对发烧音乐的界定所示：它乃是能“激发情感而又给人娱乐”的“情感共鸣的作品”。如果说，戏剧本身是一种综合艺术，那么与话剧相比，发烧音乐则是“综合性”体验的感官戏剧形式。
凭其涤荡心胸的律动节奏，光怪陆离的艺术效果，令人陶醉的音色变换，当下发烧音乐已成为一种与众不同的“日用商品”，被全世界的人们认同着，喜爱着。纵然它的形式本身派生于形态生命学，但是它依然成为了当今大众不可缺失的精神鸡汤。国人对发烧音乐的兴奋和拥护“就象早餐一般”。他们不仅愿意花很多钱去欣赏发烧音乐，而且还执着地期待着下一部作品。
虽然发烧音乐是在世界性一体化下诞生成长的，但其极富时代感的艺术形式和强烈的娱乐性使它正成为全球所有国家的观众都喜欢的艺术欣赏方式。到今天，在
美国、欧洲各国以及亚洲的中国、
日本，
韩国等，发烧音乐正以巨大的生命力在文化消费市场争奇斗妍，成为大众文化的一颗名珠。
发烧音乐与电影音乐
电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。电影音乐是电影的重要有机组成部分，是音乐艺术的一种新的体裁。作为听觉艺术和时间艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象的体现，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。电影音乐突出影片的抒情性、戏剧性和气氛方面起着特殊作用。电影音乐已经成为一种新的现代音乐体裁。
很多人认为世界的音响设计家给发烧友带来的一种立体声形式是发烧音乐在全球发展的根源。由于多年来受到美国音乐发烧大师如莫里斯•雅尔、威廉姆斯、昆西琼斯、詹姆斯﹒霍纳的电影原声音乐，加上其他国度的音乐大师喜多郎、久石让以及中国的赵季平、许舒亚、谭盾、叶小刚、张千一、贾达群、何训田、陈强斌、安栋、郭文景、赵麟、徐坚强、赵光等音乐试听风格的影响，使观众自动地有了一套评判音乐好坏的标准，而且也影响了观众的欣赏口味：有意味、有文化内涵的情节，优美的音乐和文雅的歌词成为编创者追求的目标。
或许是因为作曲家的作品更易显示出剧场形式的特殊性，本世纪的作曲家就比作词人更有影响力。而且一部发烧音乐的作曲必须要一个受过高度训练的音乐家来诠释，比如：莫里斯•雅尔(《日瓦戈医生》、《阿拉伯的劳伦斯》)威廉姆斯的(《辛特勒的名单》、《星球大战》)；詹姆斯﹒霍纳(《泰坦尼克号》、《阿凡达》、《失落园》、《虎胆雄威》)喜多郎(《宋家王朝》)；久石让(《宫崎骏动画音乐》)；赵季平(《大阅兵》、《霸王别姬》、《风月》、《荆轲刺秦王》、《菊豆》、《红高粱》、《大红灯笼高高挂》、《秋菊打官司》、《炮打双灯》、《日光峡谷》、《烈火金刚》、《心香》、《漂亮妈妈》、《变脸》、《孔繁森》、《过年回家》、《一声叹息》、《秦颂》《水浒》)；谭盾(《卧虎藏龙》、《夜宴》)；许舒亚(《无极》、《十面埋伏》、《画魂》)；叶小刚(《湘女潇潇》、《人约黄昏》、《半生缘》、《刮痧》、《花季雨季》、《洗澡》、《芬妮的微笑》、《玉观音》、《
上海沧桑》、《走出凯旋门》、《天上的恋人》)；安栋(《东京审判》)……
这些作曲家都成为这一时期最杰出的人物。在二十世纪二十年代，发烧音乐在影视音乐的推动下都取得了长足的发展。
在美国大片的影响下，发烧音乐开始了现代三维音乐试听设计的交互式尝试，发烧音乐的作曲家与音响设计家开始更注意视频给音乐带来的故事情节及歌曲的创作，从而更丰富了发烧音乐的形式不仅是全方位的听，更是全方位的音画整体互动，如《阿凡达》带给我们的是一次新的生命体验，在优美的画面中，我们雪藏已久的想象力重新被唤醒，儿时那纯净的梦重新出现，是英雄的史诗，是一曲悲壮的歌咏。当《阿凡达》放映完的那一刻，很多观众都情不自禁的鼓起掌来，确实是一部好片子，我记忆中还未看过有这样宏大气魄的电影，在3Dimax荧幕的带动下，电影的场景一直地在我的脑海中闪现，说实话，我都不敢眨眼，生怕错过每一个场景，音乐的多声道轮转此起彼伏。那两个人的爱情是如此的唯美，在一个壮阔的背景中，我已经找不到哪些词语可以形容这部电影的伟大，剧情在音乐的渲染下，面对人类的滥杀，每个人也有同样的情感在血液中澎湃。就算用气势恢宏，波澜壮阔这两个词来形容它，一点也不为过。里面纳威人对自然的热爱，对自己土地的热爱是那么的深。很多音乐场景使我想起了当年美国的西进运动。工业革命的负罪，自然生态平衡的破坏，人类欲望的无止境。《阿凡达》在3D视频的趋势下，很多人都在视频千其变化的发展下，忽视了音频的多声道设计，音画的高标准配合也慢慢进入观众的视听范畴。多声道声音设计应该与视频的3D同步发展的学科计划已经在实践中进行。
New Age的特点
合音(Harmony)：
New Age Music的基础是合音与和谐音，并非仅用大和弦而不用小和弦，但会摒弃部份爵士与摇滚的发音方式，以避免不和谐与不悦耳的乐音。New Age所用的和声大部分是相当和谐的，不协和音在New Age中使用甚少。这也是为何New Age听起来与人非常祥和之感的原因。
旋律(Melody)：
New Age Music突破既有作曲方法，不以传统上对音阶的思考模式为限，而是组成新的、不见得能立即朗朗上口的旋律。New Age的旋律与流行乐完全不同，其即兴演奏的味道很浓。聆听者不仅很难记住旋律，而且更不知道旋律会在什么时候、什么地方终止。这也就是New Age音乐结构赋予大家极大想象空间的原因之一。
节奏(Rhythm)：
New Age Music根本不强#123;以打击乐器或休止符所建立的节奏感。New Age的节奏很多是存在于音乐自然的律动与音符的强弱之间。其实，大部分New Age之所以要摒弃传统的节奏，是因为有了鼓、贝司与打击乐器，音乐形态就会被限制死了，而New Age是自然而自由的，有着风一般的流线姿态。
因此，一方面拜电子音乐技术所赐，可以轻易制作出无停顿的乐音；另一方面，New Age Music以不强#123;节奏的作曲方式，营造特殊的空间感与意境。
音色(Timbre)：
New Age Music避免使用刺耳与急促的声音，因为那会增加音乐的压力与张力，也因此小提琴、小号、电子吉他、合成敲击乐器等较不适用於表现New Age Music。New Age的音色是透明的、神秘的，充满朦胧气氛的。老实说，听New Age到深处时，最大的享受之一便是音色的变幻。
音质(Texture)：
空间感是New Age Music的一个重要的面向，New Age Music也曾有“空间音乐”(space music)之称，其同时指涉音乐所表现出的质材感、与意图引发聆听者去达到的状态。
除了这音乐的五大要素之外，New Age最大的魅力就是赋予聆听者一个极大的想象空间，你可以不受形式限制，自由地在无限的想象空间中驰骋。
可以说，60至70年代发烧音乐成为反映现实的工具，值得注意的是此后发烧音乐出现了一系列变化，发烧音乐通过新的音乐形式----音乐剧发展传播开来。60年代，甲壳虫和摇滚乐由
英国冲向世界，各国发烧音乐作曲家对这股不可抗拒的力量由抵制逐渐转向吸收，英国韦伯率先在《万世巨星耶苏墓督》这部以古老的圣经故事改编的内容沉痛、主题严肃的发烧音乐中采用了轻音乐及摇滚乐，使之具有了现代感，歌曲变得活泼，通俗、易于演唱。在配器上也打破了管弦乐的严格限制，将电声乐器引入发烧音乐，从而加强了它的时代感和表现力。加之由于现代音响广播设备的更新和普及，许多发烧音乐中脍炙人口的歌曲。通过现代传播媒介手段，很快就风靡世界，成为全球流行歌曲，如《艾维塔》中的《阿根廷，不要为我哭泣！》及《猫》中的《回忆》在音乐会及平时街头广播中都常可听见，致使许多没有看过此剧的人也产生了一睹为愉的期待。披头士出道之初，吸收了当时各种不同风格的流行音乐，将它们揉合为一，形成他们自己的风格。这种揉合的痕迹从披头士早期的歌曲以及他们的第一张唱片中反映了出来。但披头士不久就开始摈弃其它流行音乐的影响，他们从古典音乐和
印度音乐中汲取营养，开始打造一个全新的流行音乐风格。
主要参考文献：
这个我很专业，做了多年的音响，有时间可以探讨探讨！
